Ausbildungsordnung

Commercial Hip Hop — Urban Dance Styles, Cultural Theory & Industry Practice

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 4,5 Std./Woche Kontaktzeit

Das Fach Commercial Hip Hop verbindet tanzpraktische Ausbildung mit kulturwissenschaftlicher Reflexion über die Entstehungsgeschichte des Hip Hop im urbanen Kontext der USA ab den 1970er-Jahren. Studierende erwerben Kenntnisse in Bewegungsvokabular, Stilkunde und choreografischer Komposition unter Bezugnahme auf Erkenntnisse der Bewegungswissenschaft und Musikpsychologie. Interdisziplinäre Querverbindungen zur Kultursoziologie (Hall, Chang) sowie zur Sportmedizin (Verletzungsprävention, Trainingsplanung) sind fester Bestandteil des Curriculums. Im Mittelpunkt steht die Entwicklung einer reflektierten Berufspraxis, die technische Exzellenz mit ethischer Haltung gegenüber kulturellen Ursprüngen verbindet.

Lernziele:

• Studierende können die historischen und kulturellen Grundlagen des Hip Hop systematisch darstellen und ihre Bedeutung für die zeitgenössische Tanzpraxis beurteilen.
• Studierende können hip-hop-spezifische Bewegungstechniken (Groove, Isolation, Footwork) präzise und musikalisch verankert ausführen und didaktisch vermitteln.
• Studierende können kommerzielle Choreografien analysieren, reproduzieren und unter Anwendung choreografischer Gestaltungsparameter eigenständig entwickeln.
• Studierende können ihre künstlerische Praxis im Hinblick auf kulturelle Appropriation und ethische Verantwortung kritisch reflektieren und begründete Positionen formulieren.

Heels — Choreographic Empowerment, Femininity in Motion & Performance Aesthetics

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 4,5 Std./Woche Kontaktzeit

Heels Dance als eigenständige Tanzform vereint Elemente aus Jazz, Contemporary, Voguing und kommerziellem Tanz mit einer spezifischen Körperästhetik, die im Kontext von Empowerment, Gender Studies und queerer Performancetheorie diskutiert wird. Studierende entwickeln biomechanisches Verständnis für das Tanzen auf erhöhtem Absatz (Gewichtsverlagerung, Achillessehnenbelastung, propriozeptive Schulung) und erarbeiten eine technisch fundierte sowie stilistisch souveräne Bewegungssprache. Der Einfluss von Musikvideo-Ästhetik, Pop-Choreografie (Ciara, FKA Twigs, Brian Friedman) und Burlesque auf das Genre wird historisch und kulturwissenschaftlich eingebettet. Körperbewusstsein, Selbstinszenierung und Stagepräsenz werden als lehr- und lernbare Kompetenzen im pädagogischen Kontext behandelt.

Lernziele:

• Studierende können die biomechanischen Besonderheiten des Tanzens auf erhöhtem Absatz erläutern und eigenständig Warm-up-Protokolle zur Verletzungsprävention konzipieren.
• Studierende können Heels-spezifische Bewegungsqualitäten (Floor Work, Body Roll, Strut, Arm Lines) technisch sauber und musikalisch sensibel ausführen.
• Studierende können stilprägende Choreografinnen und Choreografen sowie deren ästhetische Handschriften benennen und in Videomaterial analytisch identifizieren.
• Studierende können eine eigene Heels-Choreografie entwickeln, die technische Präzision, persönlichen Ausdruck und kulturelle Reflexion integriert.

Jazz Funk — Stylistic Fusion, Groove Aesthetics & Choreographic Craft

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 4,5 Std./Woche Kontaktzeit

Jazz Funk als hybride Tanzform entstand aus der Verschmelzung afroamerikanischer Jazz-Tradition mit Funk-Grooves der 1970er-Jahre und wurde durch Musikvideo- und Showproduktionen zur eigenständigen kommerziellen Stilsprache. Studierende erarbeiten das technische Fundament des Jazz Funk — Synkopen, Isolationen, Battements und Styled Arms — und setzen es in choreografischen Kontexten ein, die musikalische Phrasierung, rhythmische Präzision und theatrale Qualität vereinen. Bezüge zur Tanzgeschichte (Jack Cole, Luigi, Matt Mattox) sowie zur Popkulturforschung sind curricularer Bestandteil. Sportwissenschaftliche Erkenntnisse zur Konditionierung gelenkintensiver Bewegungsabläufe ergänzen die praktische Ausbildung.

Lernziele:

• Studierende können die historische Entwicklung des Jazz Funk vom Broadway-Jazz über Funk-Stylization bis zur zeitgenössischen kommerziellen Form chronologisch einordnen.
• Studierende können Jazz-Funk-spezifische Techniken (Styled Arms, Level Changes, Accents) korrekt ausführen und auf musikalische Impulse hin variieren.
• Studierende können eine Jazz-Funk-Phrase für verschiedene Leistungsniveaus didaktisch aufbereiten und methodisch unterrichten.
• Studierende können choreografische Entscheidungen in Bezug auf Dynamik, Raumnutzung und musikalische Struktur begründet treffen und dokumentieren.

Performance & Staging — Stage Direction, Presence Theory & Professional Production

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 4,5 Std./Woche Kontaktzeit

Performance & Staging vermittelt die ganzheitliche Kompetenz der Bühnenarbeit von der Konzeption bis zur Aufführung, mit Bezügen zu Theaterwissenschaft, Performancetheorie (Fischer-Lichte) und professionellen Produktionsstandards der Unterhaltungsindustrie. Studierende erlernen Methoden zur Entwicklung von Bühnenpräsenz, zur Gestaltung von Licht- und Musikdramaturgie sowie zur Regie von Gruppen-Showcases. Das Fach integriert praxisnah Aspekte des Stage Managements, der Kostümsprache und des Camera Trainings für Film- und Videoformate. Psychologische Grundlagen der Performanceangst und mentale Vorbereitung auf Auftritte werden ebenfalls wissenschaftlich fundiert behandelt.

Lernziele:

• Studierende können Bühnenpräsenz als mehrdimensionale Kompetenz definieren und anhand beobachtbarer Kriterien bei sich selbst und anderen systematisch beurteilen.
• Studierende können ein vollständiges Showcase-Konzept entwickeln, das Dramaturgie, Raumwirkung, Lichtplanung und Kostüm kohärent integriert.
• Studierende können Gruppen-Performances regie-technisch leiten und dabei Timing, Formations und visuelle Wirkung gezielt steuern.
• Studierende können psychologische Strategien zur Vorbereitung auf Bühnenauftritte anwenden und in der Tanzpädagogik kontextgerecht einsetzen.

Audition Training — Industry Preparation, Casting Culture & Professional Self-Presentation

Niveau: advanced · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Audition Training ist ein praxisorientiertes Seminar, das Studierende im letzten Ausbildungssemester gezielt auf den Berufseinstieg in der Tanzindustrie vorbereitet. Inhalte umfassen Ablauf und Etikette professioneller Castings (Musikvideo, Tour, TV-Produktion), mentale Vorbereitung unter Stress (Sportpsychologie, Visualisierungstechniken), Quick Pick-Up als branchenspezifische Kernkompetenz sowie professionelle Selbstdarstellung (Portfolio, Demo-Reel, Social Media). Marktanalyse der nationalen und internationalen Tanzindustrie, Vertragsgrundlagen für freiberufliche Tänzerinnen und Tänzer sowie Kenntnisse in Urheberrecht (Choreografie) runden das Seminar ab. Gastdozentinnen und -dozenten aus der Praxis sind integraler Seminarbestandteil.

Lernziele:

• Studierende können eine unbekannte Choreografie unter realen Audition-Bedingungen (max. zwei Durchläufe) reproduktionsfähig erlernen und überzeugend präsentieren.
• Studierende können die wichtigsten Etikette-Regeln und Erwartungen an professionellen Casting-Situationen beschreiben und situationsgerecht anwenden.
• Studierende können ein professionelles Tänzer-Portfolio (Lebenslauf, Foto, Demo-Reel, Social-Media-Auftritt) entwickeln und kritisch evaluieren.
• Studierende können Grundlagen des freiberuflichen Steuer- und Vertragsrechts für Tänzerinnen und Tänzer benennen und auf eigene berufliche Situationen anwenden.

Ballet Foundations — Classical Technique, Body Alignment & Aesthetic Principles

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 3 Std./Woche Kontaktzeit

Das Fach Ballett vermittelt die technischen Grundlagen der klassischen Tanztechnik als universelle Basis für alle weiteren Stile des Ausbildungsprogramms, mit besonderem Fokus auf Körperausrichtung, Haltungsqualität und Musikalität. Bezüge zur Tanzwissenschaft (Kinesiology, Laban Movement Analysis) und zur Ballettgeschichte (Petipa, Balanchine) contextualisiern die Praxis. Sportwissenschaftliche Erkenntnisse zur Belastungssteuerung, Haltungsformation und Gelenkschutz im klassischen Training sind integraler Bestandteil. Studierende entwickeln ein reflektiertes Verständnis dafür, wie Ballett-Prinzipien (Turnout, Elevation, Épaulement) in kommerzielle und urban geprägte Stile transferiert werden können.

Lernziele:

• Studierende können die wesentlichen Ballett-Terminologien auf Französisch benennen und die zugehörigen Bewegungen korrekt ausführen.
• Studierende können Prinzipien der Körperausrichtung (Turnout, Core-Aktivierung, Épaulement) in der praktischen Umsetzung erläutern und anwenden.
• Studierende können die Relevanz klassischer Grundtechnik für moderne und kommerzielle Tanzstile analytisch begründen.
• Studierende können ein einfaches Ballett-Warm-up pädagogisch strukturiert anleiten.

Contemporary Dance — Release Technique, Somatic Practices & Choreographic Research

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Contemporary Dance im OAICP-Curriculum positioniert sich als Erweiterungsfeld zwischen somatischen Methoden (Body-Mind Centering, Alexander-Technik, Feldenkrais) und choreografischer Forschungspraxis im Anschluss an die Entwicklungslinien von Cunningham, Forsythe und den tanzpädagogischen Schulen Europas. Studierende erarbeiten Release-Technik, Floor Work und kompositorische Improvisationsverfahren mit Bezügen zur Phänomenologie des Körpers (Merleau-Ponty) und zur zeitgenössischen Performancetheorie. Das Fach schärft kinästhetische Wahrnehmung und erweitert das Bewegungsrepertoire über stylistische Grenzen hinaus. Interdisziplinäre Verbindungen zur Musikwissenschaft (Cage, minimale Komposition) und zur Bildenden Kunst (Happenings, Fluxus) ergänzen den theoretischen Horizont.

Lernziele:

• Studierende können somatische Prinzipien (Gravitationsfluss, Skelett-Alignment, Bewegungsinitiierung) in der eigenen Praxis anwenden und erläutern.
• Studierende können zeitgenössische Tanzformen von klassischer Moderne abgrenzen und Schlüsselchoreografinnen und -choreografen deren Ästhetiken zuordnen.
• Studierende können kompositorische Improvisation als kreatives Forschungswerkzeug einsetzen und kurze Materialetüden entwickeln.
• Studierende können den Einfluss zeitgenössischer Tanztechniken auf ihre Arbeit in anderen Stilfeldern des Programms reflektieren.

Diversity of Styles — Global Dance Forms, Cross-Cultural Competence & Stylistic Versatility

Niveau: intermediate · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Diversity of Styles erweitert das Stilrepertoire der Studierenden durch systematische Auseinandersetzung mit Tanzformen jenseits des Kernspektrums: Dancehall, Afro Dance, Waacking, Vogue, Soca, Reggaeton und weitere urbane Stile aus internationalen Kontexten. Kulturwissenschaftliche Reflexion über Entstehung, Bedeutung und ethischen Umgang mit Stilen aus Global-South-Kulturen ist konstitutiver Bestandteil des Fachs. Studierende entwickeln stilistische Flexibilität und Anpassungsfähigkeit als Schlüsselkompetenz für die professionelle Tanzwelt (Castings, Tourproduktionen, Unterricht). Das Fach ist als Aufbaufach im Rahmen der Semester 3–4 konzipiert und setzt grundlegende Körperkoordination aus dem ersten Ausbildungsjahr voraus.

Lernziele:

• Studierende können mindestens vier nicht-westliche oder nischenbezogene Tanzstile hinsichtlich Ursprung, Bewegungscharakter und kultureller Bedeutung korrekt beschreiben.
• Studierende können Grundbewegungen aus mindestens zwei Stilen (z. B. Afro Dance und Waacking) technisch korrekt ausführen.
• Studierende können Fragen kultureller Appropriation im Kontext globaler Tanzstile situationsgerecht diskutieren und eigene ethische Positionen entwickeln.
• Studierende können ihre stilistische Wandlungsfähigkeit in einem Audition-Format demonstrieren, das zwei oder mehr Stile innerhalb kurzer Zeit verlangt.

Fitness & Conditioning for Dancers — Sport Science Foundations & Training Methodology

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Fitness & Kondition vermittelt sportwissenschaftliche Grundlagen der athletischen Leistungsfähigkeit in Bezug auf die spezifischen Anforderungen des professionellen Tanzes: Ausdauer, Explosivkraft, Schnelligkeit und neuromuskuläre Koordination. Auf Basis aktueller Sportwissenschaft (periodisiertes Training, HIIT, Regenerationsmanagement) werden Trainingspläne entwickelt, die Verletzungsrisiken minimieren und Leistungsspitzen planbar machen. Kenntnisse in Herzfrequenzsteuerung, Laktattoleranz und Ernährungsgrundlagen für Tanzsport ergänzen das Bild. Das Fach verzahnt sich curricular mit Flexibility & Strength (ID 13) und Anatomie (ID 14).

Lernziele:

• Studierende können die physiologischen Grundlagen tänzerischer Ausdauer- und Kraftleistung erläutern und auf ihren eigenen Trainingsstatus anwenden.
• Studierende können ein wöchentliches Konditionsprogramm für Tänzerinnen und Tänzer selbst entwerfen, periodisieren und begründen.
• Studierende können Prinzipien der Trainingssteuerung (Überbelastung, Progression, Erholung) korrekt anwenden und Trainingsfehler identifizieren.
• Studierende können Grundkenntnisse in Sporternährung für die Bedarfe von Tanzstudierende kontextuell einordnen.

Flexibility & Strength — Functional Mobility, Resistance Training & Injury Prevention

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Das Fach Flexibility & Strength behandelt die physiologischen und trainingsmethodischen Grundlagen von Beweglichkeitstraining und funktioneller Kräftigung mit direktem Bezug zu den Anforderungen des professionellen kommerziellen Tanzes. Studierende erarbeiten das Spektrum von statischem über dynamisches bis zum PNF-Stretching sowie Grundprinzipien des Resistenztrainings (freie Gewichte, Körpergewichtsübungen, Faszientherapie). Sportwissenschaftliche Erkenntnisse zur Dehnungstoleranz, Muskelaufbau und zur Vermeidung von Überdehnungsverletzungen sind curricularer Kern. Bezüge zur Anatomie (Muskelgruppen, Sehnen, Gelenke) schaffen Grundlagen für ein evidenzbasiertes Körpermanagement.

Lernziele:

• Studierende können den Unterschied zwischen statischem, dynamischem und PNF-Stretching erläutern und jede Methode korrekt demonstrieren.
• Studierende können einen tänzerspezifischen Mobility-Trainingsplan entwickeln, der gezielt tänzerische Defizitregionen (Hüftbeuger, Schultergürtel, Wirbelsäule) adressiert.
• Studierende können Kräftigungsübungen für die Core-Muskulatur unter Berücksichtigung korrekter Ausführung und progressiver Belastungssteigerung anleiten.
• Studierende können Warnsignale für Überdehnungsverletzungen erkennen und evidenzbasierte Maßnahmen zur Prävention benennen.

Improvisation & Freestyle — Somatic Creativity, Movement Research & Personal Voice

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Improvisation & Freestyle als Hauptfach versteht freies Tanzen nicht als informelles Können, sondern als strukturierte Methode zur Erforschung persönlicher Bewegungssprache und kreativer Problemlösung im künstlerischen Prozess. Studierende lernen unterschiedliche Improvisationsrahmen kennen — Contact Improvisation, Score-basierte Systeme, Musik-reaktive Strukturen — und entwickeln ein Repertoire an Strategien zur Überwindung kreativer Hemmungen. Kognitionswissenschaftliche Erkenntnisse zu Kreativität und Flow (Csikszentmihalyi) sowie soziologische Perspektiven auf kollektive Improvisation (Cipher-Kultur, Jam-Formate) werden wissenschaftlich eingebettet. Das Fach stärkt die künstlerische Autonomie und schafft damit die Grundlage für choreografisches Schaffen in allen anderen Stilfeldern.

Lernziele:

• Studierende können verschiedene Improvisationsformate (Score, Cipher, Contact) praktisch anwenden und deren strukturelle Logik erläutern.
• Studierende können in einer unbekannten Musikumgebung mindestens zwei Minuten lang qualitätsbewusst und stilistisch variabel improvisieren.
• Studierende können persönliche Bewegungspräferenzen identifizieren und durch gezielte Improvisation erweitern.
• Studierende können Improvisation als pädagogisches Werkzeug in der Tanzausbildung methodisch fundiert einsetzen.

Jazz Technique — Classical Jazz Forms, Body Conditioning & Technical Precision

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Jazz Technik als Grundlagenfach schult die körpertechnischen Kernkompetenzen des Jazz Dance — Isolationen, Contractions, Swings und Jumps — auf der Basis der klassischen Methodik nach Luigi, Gus Giordano und Matt Mattox. Die historische Entwicklung des Jazz Dance von afroamerikanischen Roots bis zur Broadway-Tradition wird tanzwissenschaftlich eingebettet. Sportwissenschaftliche Erkenntnisse zur Muskelkräftigung, Core-Aktivierung und Gelenkmobilität sichern die physiologische Fundiertheit des Unterrichts. Das Fach dient als technisches Fundament für die Hauptfächer Jazz Funk, Commercial Hip Hop und Heels.

Lernziele:

• Studierende können Jazz-technische Grundbewegungen (Contraction, Release, Isolation, Swing) korrekt benennen und exakt ausführen.
• Studierende können eine Jazz-Technik-Across-the-Floor-Sequenz selbständig leiten und methodisch sinnvoll aufbauen.
• Studierende können den Transfer von Jazz-Grundtechnik in kommerzielle Stile erklären und praktisch demonstrieren.
• Studierende können ihren eigenen Körper hinsichtlich technischer Schwächen und Stärken analysieren und eigenverantwortlich Trainingsmaßnahmen ableiten.

Lyrical Jazz — Emotional Expression, Musical Interpretation & Narrative Choreography

Niveau: intermediate · EQF-Stufe 5 · 2,25 Std./Woche Kontaktzeit

Lyrical Jazz verbindet die technische Präzision des Jazz Dance mit der expressiven Qualität zeitgenössischer Bewegungssprache und legt Schwerpunkte auf emotionale Authentizität, musikalische Interpretation und narrative Choreografie. Studierende analysieren Texte und Musik im Hinblick auf Stimmung, Dynamik und inhaltliche Dramaturgie und übersetzen diese in Bewegungsphrasen, die über dekorative Ausführung hinausgehen. Bezüge zur Musikpsychologie (Emotionserkennung, Klang-Bewegungs-Korrespondenz) und zur Theaterpädagogik sind curricularer Bestandteil. Als Aufbaufach (Semester 3–4) setzt Lyrical Jazz Jazz-Technik als Vorwissen voraus und vertieft sie im expressiven Kontext.

Lernziele:

• Studierende können eine Musikphrase hinsichtlich Melodie, Dynamik und inhaltlicher Aussage analysieren und die Erkenntnisse in Bewegungsentscheidungen übersetzen.
• Studierende können Lyrical-Jazz-spezifische Bewegungsqualitäten (Fluid Lines, Suspension, Transition) präzise und musikalisch sensibel ausführen.
• Studierende können eine narrative Kurzchoreografie entwickeln, die einen emotionalen Inhalt durch Bewegungssprache kommuniziert.
• Studierende können eigene emotionale Ausdrucksfähigkeit von technischer Darstellung unterscheiden und in der Unterrichtspraxis beides gezielt fördern.

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 2 Std./Woche Kontaktzeit

Showcase & Rehearsal — Production Practice, Ensemble Discipline & Final Performance

Niveau: advanced · EQF-Stufe 5 · 3 Std./Woche Kontaktzeit

Showcase & Probe ist das integrative Abschlussseminar der Ausbildung, in dem Studierende eine vollständige Bühnenproduktion — von der Konzeption über die Probenphase bis zur öffentlichen Aufführung — eigenverantwortlich realisieren. Theaterwissenschaftliche Konzepte der Probenleitung (Regienotiz, Markierdurchlauf, Generalprobe, Technikprobe) werden praxisnah eingeübt. Ensemble-Disziplin, professionelle Verlässlichkeit und kooperatives Arbeiten unter Zeitdruck werden als Schlüsselkompetenzen für die berufliche Praxis geschult. Die Abschlussaufführung bildet den öffentlichen Nachweis der im Studium erworbenen Kompetenzen und wird von einer Jury bewertet, die externe Tanzprofessionelle einschließt.

Lernziele:

• Studierende können eine komplexe Bühnenprobe produktiv leiten, Feedback geben und Ensembleleistungen auf ein einheitliches Qualitätsniveau koordinieren.
• Studierende können Probenplanung, Zeitmanagement und technische Koordination (Licht, Ton, Kostüm) in einer Theaterproduktion eigenverantwortlich organisieren.
• Studierende können ihre individuellen künstlerischen Leistungen im Rahmen einer Ensembleproduktion so einbringen, dass Gesamtwirkung und Zusammenspiel maximiert werden.
• Studierende können die eigene Abschlussperformance auf Basis vorher definierter Bewertungskriterien selbstständig reflektieren und Entwicklungsfelder für die berufliche Weiterbildung benennen.

Dance Anatomy — Musculoskeletal System, Biomechanics & Body Intelligence

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Anatomie als Theoriekurs erschließt das Wissen über den menschlichen Bewegungsapparat mit direktem Fokus auf die Anforderungen des professionellen Tanzes: Skelett, Muskulatur, Gelenke, Sehnen und Bänder werden in ihren funktionellen Zusammenhängen für Hochleistungsbewegung dargestellt. Grundlagen der Biomechanik (Hebelgesetze, Kraftvektoren, Gelenkbelastungen) ermöglichen es Studierenden, Bewegungen physiologisch zu analysieren und Unterricht präventiv zu gestalten. Das Fach greift wissenschaftliche Literatur aus Sportwissenschaft und Tanzmedizin auf und bereitet Studierende auf die Verantwortung als Tanzlehrkraft vor, die Gesundheitsschutz als pädagogisches Prinzip versteht. Inhalte werden direkt mit den praktischen Fächern Fitness (ID 12), Flexibility (ID 13) und dem jeweiligen Hauptfach verbunden.

Lernziele:

• Studierende können die für den Tanz relevanten Muskelgruppen, Gelenke und Sehnenzüge benennen und ihre Funktion im Bewegungsablauf beschreiben.
• Studierende können biomechanische Prinzipien (z. B. Hebelwirkung, Schwerpunkt, Impulsübertragung) auf typische tänzerische Bewegungen anwenden.
• Studierende können häufige tanzbedingte Verletzungen (Achillessehne, Knie, Wirbelsäule) anhand anatomischen Grundwissens erklären und präventive Maßnahmen ableiten.
• Studierende können anatomisches Wissen in der Korrekturanweisung an Tanzschülerinnen und -schüler fachlich korrekt und verständlich einsetzen.

Music Theory for Dancers — Rhythm, Form, Harmony & Movement Correspondence

Niveau: foundation · EQF-Stufe 5 · 1,5 Std./Woche Kontaktzeit

Musiktheorie für Tänzerinnen und Tänzer vermittelt ein praxisbezogenes Verständnis musikalischer Strukturen — Takt, Rhythmus, Phrasierung, Harmonie und Form — und schlägt systematisch Brücken zur choreografischen Entscheidungsfindung. Auf Basis musikwissenschaftlicher Grundlagen (Notenlesen, Intervalle, Kadenzen) wird besonderer Wert auf die tanzrelevante Applikation gelegt: Groove-Analysen, Phrasierungsdiagramme und Hör-Übungen mit Material aus Pop, Hip Hop, Jazz und Contemporary. Erkenntnisse der Musikpsychologie (Emotionswahrnehmung, metrische Kognition, Groove-Reaktion) ergänzen den analytischen Zugang. Das Fach legt die Grundlage für eigenständige musikalische Auswahl und dramaturgische Entscheidungen in der Choreografiearbeit.

Lernziele:

• Studierende können grundlegende musiktheoretische Begriffe (Takt, Synkope, Phrase, Form) korrekt verwenden und hörend anwenden.
• Studierende können einen Musiktrack hinsichtlich Struktur (Intro, Verse, Hook, Bridge, Outro) und rhythmischer Besonderheiten schriftlich analysieren.
• Studierende können musikalische Merkmale (Dynamik, Tempo, Klangfarbe) als Ausgangspunkt choreografischer Entscheidungen nutzen und begründen.
• Studierende können im Unterricht Musik für Schülerinnen und Schüler analytisch zugänglich machen und zur bewussten musikalischen Bewegung anleiten.